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비디오 아트

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목차

1. 개요

비디오 아트는 전자 기술을 활용하여 제작되는 시각 예술의 한 형태로, 1960년대 백남준에 의해 개척되었다. 초기에는 텔레비전 수상기를 개조하거나 비디오 카메라를 이용한 실험적인 작품들이 주를 이루었으며, 개념미술, 퍼포먼스, 실험영화 등과 연계되어 발전했다. 1970년대에는 비디오 아트의 전성기를 맞아 다양한 형식의 실험이 이루어졌으며, 1980년대 이후 개인용 컴퓨터와 편집 기술의 발달로 작가들의 표현 방식이 다양해졌다. 2000년대 이후에는 현대 미술 전시회에서 중요한 위치를 차지하며, 디지털 기술과 인터넷을 활용한 작품들이 등장했다. 비디오 아트는 퍼포먼스 아트와 결합되기도 하며, 전 세계적으로 다양한 단체와 기관을 통해 소개되고 있다. 한국에서는 백남준을 선구자로, 다양한 비디오 아티스트들이 활동하고 있다.

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비디오 아트
비디오 아트 개요
백남준의 전자 슈퍼 하이웨이
백남준의 《전자 슈퍼 하이웨이》
정의비디오 기술을 사용하는 예술 형태
관련 개념실험 영화
텔레비전
새로운 미디어 아트
비디오 게임 아트
역사 및 발전
기원1960년대 후반, 텔레비전 기술의 발전과 함께 시작
초기 비디오 아트백남준
볼프 포스텔
존 렉크
백남준의 역할비디오 아트의 선구자
1965년, 최초의 비디오 아트 작품 발표
기술적 발전비디오 신디사이저 개발
다양한 이미지 조작 및 편집 기술 사용
주요 특징폐쇄 회로 설치
퍼포먼스 아트와의 결합
사회적 메시지 전달
주제 및 표현
주제정체성
신체
페미니즘
성 정체성
사회 비판
표현 기법다큐멘터리
내러티브
추상적 이미지
사운드 활용
주요 작가 및 작품
주요 작가백남준
빌 비올라
개리 힐
테리 폭스
피터 캠퍼스
비토 아콘치
마사 로슬러
단 그레이엄
조안 조나스
린다 벤글리스
브루스 나우만
스티브 맥퀸
양푸동
시린 네샤트
오토 피네
존 발데사리
주요 작품백남준: 《전자 슈퍼 하이웨이》, 《달은 가장 오래된 TV이다》
빌 비올라: 《Room for St. John of the Cross》
영향 및 의의
현대 미술에 미친 영향뉴 미디어 아트 발전 기여
미술의 경계 확장
사회적 의의대중 매체 비판
사회 문제에 대한 인식 제고
참고 문헌
참고 자료artscape - 비디오 아트
MoMA - 비디오 아트: 초기 싱글 채널 작품

2. 역사



비디오 아트의 개척자로는 한국 태생의 백남준이 널리 꼽힌다.[2][3] 1963년 3월 백남준은 부퍼탈의 파르나스 갤러리에서 〈음악의 전시 - 전자 텔레비전〉 (Exposition of Music – Electronic Television)를 처음으로 선보였다.[4][5] 이 전시는 13대의 텔레비전 수상기에 각각 개조를 가하여, 텔레비전 화면을 왜곡하거나 흑백 반전시킨 것을 전시했다.

같은 해 5월 볼프 포스텔도 미국 뉴욕의 스몰린 갤러리에서 〈6 TV Dé-coll/age〉라는 이름의 텔레비전 설치미술을, 독일 쾰른에서 〈네 머릿속의 태양〉(Sun in your head)이라는 영상 작품을 제작하였다.[6][7][8] 〈네 머릿속의 태양〉은 본래 16mm 필름으로 촬영되었으나 1967년 비디오테이프로 이식되었다.

소니 AV-3400 포터팩


1965년 백남준이 소니 포터팩 비디오 카메라를 구입해 뉴욕시를 방문한 교황 바오로 6세를 촬영한 것이 회자된다. 그날 백남준은 그리니치 빌리지 카페에서 교황을 찍은 영상 테이프를 상영하였고 이것이 곧 비디오 아트의 탄생이라는 평가다.[9]

1960년대 일반인용 비디오 장비가 보급되기 전에는 비상업용 8mm 필름과 16mm 필름이 유일한 영상 작업 수단이었다. 소니 사의 포터팩이 처음 출시되고 다른 회사에서도 잇따라 비디오 촬영 녹화 기기를 내놓으면서, 여러 아티스트들이 비로소 신기술을 통한 영상 작업을 할 수 있게 되었다.

초창기 비디오 아트를 이끌었던 아티스트들은 동시대 개념미술, 퍼포먼스, 실험영화 운동과의 접점이 많았다. 당시 미국에서 현대미술과 실험영화에 몸담던 이들 중 비디오 아트에 주목했던 인물로는 백남준, 비토 아콘치, 발리 엑스포르트, 존 발데사리, 피터 캠퍼스, 도리스 토튼 체이스, 모린 코너, 노먼 카위, 드미트리 데뱌트킨, 프랭크 질레트, 댄 그레이엄, 게리 힐, 조안 조나스, 브루스 노먼, 빌 비올라, 구보타 시게코, 마사 로슬러, 윌리엄 웨그먼 등이 있었다. 스테이나 바술카와 우디 바술카도 비디오라는 매체의 형식적 특성에 관심을 갖고, 비디오 신디사이저를 통한 추상화를 제작하기 시작하였다. 같은 시기 캐나다에서는 케이트 크레이그,[10] 베라 프렌켈,[11] 마이클 스노[12]가 활동하였다.

1970년대는 비디오 아트의 전성기로, 비디오 형식의 한계를 실험하는 다양한 작품들이 등장했다. 미국의 피터 캠퍼스의 〈더블 비전〉(Double Vision)은 두 대의 포터팩 카메라에서 나오는 영상 신호를 전자 믹서로 결합하여 왜곡된 불협화음을 만들어냈다. 조앤 조너스의 《버티컬 롤》(Vertical Roll)은 작가가 직접 춤추는 모습을 사전 녹화하여 TV로 되감기 재생하는 방식으로 비디오의 재생 조정을 다층적이고 복합적인 표현으로 승화시켰다.

조앤 조너스의 1972년 영상 작품의 스틸컷


미국의 비디오 아트 흐름은 대부분 뉴욕시를 중심으로 이루어졌으며, 1972년 스테이나 바술카와 우디 바술카 부부가 결성하고 드미트리 데뱌트킨과 슈리다르 바파트가 참여한 예술가 단체 '더 키친'(The Kitchen)은 젊은 작가들을 결집시키는 주요한 역할을 했다. 이 시기에는 여러 대의 모니터나 화면을 이용한 다채널 비디오 아트 작품이 등장했는데, 아이러 슈나이더와 프랭크 질레트의 〈Wipe Cycle〉(1969)이 대표적이다. 이 작품은 뉴욕 하워드 와이즈 갤러리에서 열린 〈창조매체로서의 TV〉(TV as a Creative Medium) 전에서 처음 전시되었으며, 9대의 텔레비전 수상기를 통해 전시실 방문객의 실시간 영상, 상업 TV 방송 영상, 사전 녹화 테이프 영상을 혼합하여 보여주었다. 영상은 한 화면에서 다른 화면으로 정교하게 연출되어 옮겨졌다.

미국 서부에서는 1970년 산호세 스테이트 텔레비전 스튜디오의 윌러프비 샤프가 〈비디오뷰〉(Videoviews) 연작을 제작하여 브루스 노먼(1970), 요제프 보이스(1972), 비토 아콘치(1973), 크리스 버든(1973), 로웰 달링(1974), 데니스 오펜하임(1974) 등 여러 예술가들과의 대담을 비디오테이프로 기록했다. 같은 해 샤프는 비토 아콘치, 테리 폭스, 리처드 세라, 키스 소니에, 데니스 오펜하임, 윌리엄 웨그먼이 참여하는 비디오 아트 전시회 〈바디 워크〉(Body Works)를 샌프란시스코의 개념미술 박물관에서 개최했다.[13]

유럽에서는 발리 엑스포르트의 〈가족 마주하기〉(Facing a Family, 1971)가 텔레비전 방송에 난입하는 형식의 비디오 아트 작품으로, 방송 비디오 아트의 첫 사례로 평가받는다. 이 작품은 1971년 2월 2일 오스트리아 TV 프로그램 〈콘탁테〉(Kontakte)에서 방송되었으며, TV를 보며 저녁 식사를 하는 부유한 가족의 모습을 통해 시청자들에게 거울 효과를 주고자 했다. 엑스포르트는 텔레비전이 주제와 관중, 방송의 관계를 뒤얽히게 만든다는 철학을 제시했다.[14][15] 이와 유사하게, 영국에서는 데이비드 홀의 〈TV 방해〉(TV Interruptions, 1971)가 스코틀랜드 방송에 예고 없이 난입하는 방식으로 방송되었다.

1980년대에는 영상 편집 기기의 가격 인하로 일반 대중의 접근성이 향상되었고, 개인용 컴퓨터의 보급으로 영상 편집 프로그램 사용이 쉬워지면서 비디오 아티스트와 디지털 미디어 아티스트의 작업 방식이 변화하였다. 비디오 아티스트들은 상호작용성과 비선형성 같은 다양한 주제를 탐구하기 시작했다.

제프리 쇼의 《읽을 수 있는 도시》 (Legible City, 1988년~1991년)는 관객이 고정된 자전거를 타고 맨해튼, 암스테르담, 카를스루에의 가상 이미지를 탐험하며, 자전거 핸들과 페달 속도에 따라 변화하는 이미지를 통해 고유한 가상 환경을 제공하는 작품으로, 물리적 기술과 디지털 기술을 결합한 사례이다.

게리 힐(Gary Hill), 빌 비올라(Bill Viola)와 같이 예술가들은 특수 효과, 고품질 이미지, 정교한 편집의 잠재력을 활용했다. [http://www.wwvf.nl/ World Wide Video festival](월드 와이드 비디오 페스티벌), 제네바의 [http://biennaleimagemouvement.ch/ 비엔날레 드 라지] (비엔날레 드 라지), 아르스 일렉트로니카(Ars Electronica)와 같은 비디오 아트 전용 페스티벌이 발전했다.

1990년대 초, 현대 미술 전시회는 다른 작품 및 설치 작품과 함께 비디오 아트를 통합하였다. 베니스 비엔날레(Aperto 93)와 루이지애나 현대 미술관(Louisiana Museum of Modern Art)의 NowHere, 그리고 핸디캠(Handycam)과 같은 경량 장비의 출현은 새로운 세대 예술가들의 직접적인 표현을 가능하게 했다. 피필로티 리스트(Pipilotti Rist), 토니 아울러(Tony Oursler), 카르스텐 횔러(Carsten Höller), 셰릴 도네건, 넬슨 설리번과 같은 예술가들은 스튜디오를 벗어나 손으로 촬영하고, 발견된 이미지와 자신의 이미지를 혼합하는 작업을 했다. 더글라스 고든(Douglas Gordon), 피에르 비스무트(Pierre Bismuth), 실비 플뢰리(Sylvie Fleury), 요한 그리몬프레즈, 클로드 클로스키(Claude Closky)는 간단한 후반 작업을 활용했다.

페터 바이벨(Peter Weibel)이 감독하는 ZKM (칼스루에), 시몽 라뮤니에르(Simon Lamunière)가 감독하는 격년 전시회인 Centre pour l'Image Contemporaine (1994-2004) 와 같은 디지털 기술을 통합한 비디오 아트 전문 미술관 및 기관들이 등장했다.

디지털 기술과 인터넷의 등장으로 일부 박물관들은 퐁피두 센터(Centre Georges Pompidou)(파리), 루트비히 박물관(Museum Ludwig)(쾰른) 및 Centre pour l'Image Contemporaine(제네바)가 제작한 http://www.newmedia-art.org/ 와 같은 데이터베이스를 연합했다.

세기 말, 기관과 예술가들은 3D 이미지, 상호 작용, CD-ROM, 인터넷, 디지털 후반 작업 등 확장되는 미디어 스펙트럼을 연구했다. 제프리 쇼(Jeffrey Shaw)의 "Legible City"(1988–91)와 같이 물리적 기술과 디지털 기술을 결합하거나, 클로드 클로스키(Claude Closky)의 온라인 [https://www.sittes.net/indice/ "+1"] 또는 Dia Art Foundation이 공동 제작한 1996년의 [https://awp.diaart.org/closky/ "Do you want Love or Lust"]와 같이 로우테크 상호 작용을 사용하는 예술가들도 있었다. 이러한 움직임은 비디오 아트에서 뉴미디어 아트(New media art) 및 인터넷 아트(Internet art)로의 전환을 보여주었다.

2000년대 이후, 사용 가능한 영상의 양과 편집 기술이 발전하면서 일부 예술가들은 자신들의 영상을 전혀 사용하지 않고 복잡한 내러티브 비디오를 제작하기도 했다. 마르코 브람빌라의 《문명》(2008)은 천국과 지옥을 묘사한 콜라주 또는 "비디오 벽화"이다.[16][17] 요한 그리몬프레즈의 Dial H-I-S-T-O-R-Y는 냉전과 테러리스트의 역할을 68분 분량으로 해석한 작품으로, 납치와 관련된 TV 및 영화 발췌본을 거의 독점적으로 사용했다.

2000년대 첫 10년 동안 비디오 아트 분야에서 가장 중요한 발전 중 하나는 국제적인 수준에서 현대 미술 전시회에 강력하게 참여한 것이다. 이 기간 동안, 단체 전시회에서 모니터나 프로젝션을 통해 예술가들의 비디오를 선보이는 것이 일반적이었다. 아트 바젤의 대규모 작품 전시 부문인 아트 언리미티드에서 2000년부터 2015년 사이에 전시된 작품의 3분의 1 이상이 비디오 설치 작품이었으며, 대부분의 비엔날레에서도 유사했다. 피필로티 리스트, 프란시스 알리스, 김수자, 아피찻퐁 위라세타쿤, 오메르 패스트, 데이비드 클레어보, 사라 모리스, 매튜 바니와 같은 새로운 세대의 예술가들이 이전 세대 (로만 시그너, 브루스 나우만, 빌 비올라, 조안 조나스, 존 발데사리)와 함께 소개되었다.

일부 예술가들은 영화를 제작하거나 (아피찻퐁 위라세타쿤은 2010 칸 영화제에서 황금종려상을 수상), 대규모 공공 행사를 기획하여 관객을 확대하기도 했다. (피필로티 리스트의 [https://ex-expo.ch/en/expo02/ 스위스 국립 엑스포02])

2003년, 칼럽 린지는 비디오와 퍼포먼스 하위 장르를 창조한 것으로 평가받는 풍자적인 텔레 드라마 《Conversations Wit De Churen II: All My Churen》을 제작했다.[18] 린지의 작품은 장르를 초월하지만, 이 작품은 매체에 큰 기여를 했다. 젊은 실험 비디오 아티스트인 라이언 트레카틴은 색상, 편집 기술, 기괴한 연기를 사용하여 뉴요커가 "문화적 분수령"이라고 부르는 것을 묘사한다.[19][20]

2. 1. 초창기 (1960년대)



비디오 아트의 개척자로는 한국 태생의 백남준이 널리 꼽힌다.[35][36][2][3] 1963년 3월 백남준은 우페르탈의 파르나스 갤러리에서 〈음악의 전시 - 전자 텔레비전〉 (Exposition of Music – Electronic Television)를 처음으로 선보였다.[37][38][4] 이 전시는 13대의 텔레비전 수상기에 각각 개조를 가하여, 텔레비전 화면을 왜곡하거나 흑백 반전시킨 것을 전시했다.

같은 해 5월 볼프 보스텔도 미국 뉴욕의 스몰린 갤러리에서 〈6 TV Dé-coll/age〉라는 이름의 텔레비전 설치미술을, 독일 쾰른에서 〈네 머릿속의 태양〉(Sun in your head)이라는 영상 작품을 제작하였다.[30] 〈네 머릿속의 태양〉은 본래 16mm 필름으로 촬영되었으나 1967년 비디오테이프로 이식되었다.[39][40][41]

1965년 백남준이 소니 포터팩 비디오 카메라를 구입해 뉴욕시를 방문한 교황 바오로 6세를 촬영한 것이 회자된다.[42] 그날 백남준은 그리니치 빌리지 카페에서 교황을 찍은 영상 테이프를 상영하였고 이것이 곧 비디오 아트의 탄생이라는 평가다.[9]

1960년대 일반인용 비디오 장비가 보급되기 전에는 비상업용 8mm 필름과 16mm 필름이 유일한 영상 작업 수단이었다. 소니 사의 포터팩이 처음 출시되고 다른 회사에서도 잇따라 비디오 촬영 녹화 기기를 내놓으면서, 여러 아티스트들이 비로소 신기술을 통한 영상 작업을 할 수 있게 되었다.

초창기 비디오 아트를 이끌었던 아티스트들은 동시대 개념미술, 퍼포먼스, 실험영화 운동과의 접점이 많았다. 당시 미국에서 현대미술과 실험영화에 몸담던 이들 중 비디오 아트에 주목했던 인물로는 백남준,[43] 비토 아콘치, 발리 엑스포르트, 존 발데사리, 피터 캠퍼스, 도리스 토튼 체이스, 모린 코너, 노먼 코위, 드미트리 데뱌트킨, 프랭크 질레트, 댄 그레이엄, 게리 힐, 조앤 조나스, 브루스 노먼, 빌 비올라, 구보타 시게코, 마사 로슬러, 윌리엄 웨그맨 등이 있었다. 슈테이너 바술카와 우디 바술카도 비디오라는 매체의 형식적 특성에 관심을 갖고, 비디오 신디사이저를 통한 추상화를 제작하기 시작하였다. 같은 시기 캐나다에서는 케이트 크레이그, 베라 프렌켈, 마이클 스노가 활동하였다.[44][45][46]

2. 2. 1970년대

1970년대는 비디오 아트의 전성기로, 비디오 형식의 한계를 실험하는 다양한 작품들이 등장했다. 미국의 피터 캠퍼스의 〈더블 비전〉(Double Vision)은 두 대의 포터팩 카메라에서 나오는 영상 신호를 전자 믹서로 결합하여 왜곡된 불협화음을 만들어냈다. 조앤 조너스의 《버티컬 롤》(Vertical Roll)은 작가가 직접 춤추는 모습을 사전 녹화하여 TV로 되감기 재생하는 방식으로 비디오의 재생 조정을 다층적이고 복합적인 표현으로 승화시켰다.

미국의 비디오 아트 흐름은 대부분 뉴욕시를 중심으로 이루어졌으며, 1972년 슈테이너 바술카와 우디 바술카 부부가 결성하고 드미트리 데뱌트킨과 슈리다르 바파트가 참여한 예술가 단체 '더 키친'(The Kitchen)은 젊은 작가들을 결집시키는 주요한 역할을 했다. 이 시기에는 여러 대의 모니터나 화면을 이용한 다채널 비디오 아트 작품이 등장했는데, 아이러 슈나이더와 프랭크 질레트의 〈Wipe Cycle〉(1969)이 대표적이다. 이 작품은 뉴욕 하워드 와이즈 갤러리에서 열린 〈창조매체로서의 TV〉(TV as a Creative Medium) 전에서 처음 전시되었으며, 9대의 텔레비전 수상기를 통해 전시실 방문객의 실시간 영상, 상업 TV 방송 영상, 사전 녹화 테이프 영상을 혼합하여 보여주었다. 영상은 한 화면에서 다른 화면으로 정교하게 연출되어 옮겨졌다.

미국 서부에서는 1970년 산호세 스테이트 텔레비전 스튜디오의 윌러프비 샤프가 〈비디오뷰〉(Videoviews) 연작을 제작하여 브루스 노먼(1970), 요제프 보이스(1972), 비토 아콘치(1973), 크리스 버든(1973), 로웰 달링(1974), 데니스 오펜하임(1974) 등 여러 예술가들과의 대담을 비디오테이프로 기록했다. 같은 해 샤프는 비토 아콘치, 테리 폭스, 리처드 세라, 키스 소니에, 데니스 오펜하임, 윌리엄 웨그먼이 참여하는 비디오 아트 전시회 〈바디 워크〉(Body Works)를 샌프란시스코의 개념미술 박물관에서 개최했다.[13]

유럽에서는 발리 엑스포르트의 〈가족 마주하기〉(Facing a Family, 1971)가 텔레비전 방송에 난입하는 형식의 비디오 아트 작품으로, 방송 비디오 아트의 첫 사례로 평가받는다. 이 작품은 1971년 2월 2일 오스트리아 TV 프로그램 〈콘탁테〉(Kontakte)에서 방송되었으며, TV를 보며 저녁 식사를 하는 부유한 가족의 모습을 통해 시청자들에게 거울 효과를 주고자 했다. 엑스포르트는 텔레비전이 주제와 관중, 방송의 관계를 뒤얽히게 만든다는 철학을 제시했다.[47][48] 이와 유사하게, 영국에서는 데이비드 홀의 〈TV 방해〉(TV Interruptions, 1971)가 스코틀랜드 방송에 예고 없이 난입하는 방식으로 방송되었다.[14][15]

2. 3. 1980년대~1990년대

1980년대에는 영상 편집 기기의 가격 인하로 일반 대중의 접근성이 향상되었고, 개인용 컴퓨터의 보급으로 영상 편집 프로그램 사용이 쉬워지면서 비디오 아티스트와 디지털 미디어 아티스트의 작업 방식이 변화하였다. 비디오 아티스트들은 상호작용성과 비선형성 같은 다양한 주제를 탐구하기 시작했다.

제프리 쇼의 《읽을 수 있는 도시》 (Legible City, 1988년~1991년)는 관객이 고정된 자전거를 타고 맨해튼, 암스테르담, 카를스루에의 가상 이미지를 탐험하며, 자전거 핸들과 페달 속도에 따라 변화하는 이미지를 통해 고유한 가상 환경을 제공하는 작품으로, 물리적 기술과 디지털 기술을 결합한 사례이다.

게리 힐(Gary Hill), 빌 비올라(Bill Viola)와 같이 예술가들은 특수 효과, 고품질 이미지, 정교한 편집의 잠재력을 활용했다. [http://www.wwvf.nl/ World Wide Video festival](월드 와이드 비디오 페스티벌), 제네바의 [http://biennaleimagemouvement.ch/ 비엔날레 드 라지] (비엔날레 드 라지), 아르스 일렉트로니카(Ars Electronica)와 같은 비디오 아트 전용 페스티벌이 발전했다.

1990년대 초, 현대 미술 전시회는 다른 작품 및 설치 작품과 함께 비디오 아트를 통합하였다. 베니스 비엔날레(Aperto 93)와 루이지애나 현대 미술관(Louisiana Museum of Modern Art)의 NowHere, 그리고 핸디캠(Handycam)과 같은 경량 장비의 출현은 새로운 세대 예술가들의 직접적인 표현을 가능하게 했다. 피필로티 리스트(Pipilotti Rist), 토니 아울러(Tony Oursler), 카르스텐 횔러(Carsten Höller), 셰릴 도네건, 넬슨 설리번과 같은 예술가들은 스튜디오를 벗어나 손으로 촬영하고, 발견된 이미지와 자신의 이미지를 혼합하는 작업을 했다. 더글라스 고든(Douglas Gordon), 피에르 비스무트(Pierre Bismuth), 실비 플뢰리(Sylvie Fleury), 요한 그리몬프레즈, 클로드 클로스키(Claude Closky)는 간단한 후반 작업을 활용했다.

페터 바이벨(Peter Weibel)이 감독하는 ZKM (칼스루에), 시몽 라뮤니에르(Simon Lamunière)가 감독하는 격년 전시회인 Centre pour l'Image Contemporaine (1994-2004) 와 같은 디지털 기술을 통합한 비디오 아트 전문 미술관 및 기관들이 등장했다.

디지털 기술과 인터넷의 등장으로 일부 박물관들은 퐁피두 센터(Centre Georges Pompidou)(파리), 루트비히 박물관(Museum Ludwig)(쾰른) 및 Centre pour l'Image Contemporaine(제네바)가 제작한 http://www.newmedia-art.org/ 와 같은 데이터베이스를 연합했다.

세기 말, 기관과 예술가들은 3D 이미지, 상호 작용, CD-ROM, 인터넷, 디지털 후반 작업 등 확장되는 미디어 스펙트럼을 연구했다. 제프리 쇼(Jeffrey Shaw)의 "Legible City"(1988–91)와 같이 물리적 기술과 디지털 기술을 결합하거나, 클로드 클로스키(Claude Closky)의 온라인 [https://www.sittes.net/indice/ "+1"] 또는 Dia Art Foundation이 공동 제작한 1996년의 [https://awp.diaart.org/closky/ "Do you want Love or Lust"]와 같이 로우테크 상호 작용을 사용하는 예술가들도 있었다. 이러한 움직임은 비디오 아트에서 뉴미디어 아트(New media art) 및 인터넷 아트(Internet art)로의 전환을 보여주었다.

2. 4. 2000년대 이후

2000년대 이후, 사용 가능한 영상의 양과 편집 기술이 발전하면서 일부 예술가들은 자신들의 영상을 전혀 사용하지 않고 복잡한 내러티브 비디오를 제작하기도 했다. 마르코 브람빌라의 《문명》(2008)은 천국과 지옥을 묘사한 콜라주 또는 "비디오 벽화"이다.[16][17] 요한 그리몬프레즈의 Dial H-I-S-T-O-R-Y는 냉전과 테러리스트의 역할을 68분 분량으로 해석한 작품으로, 납치와 관련된 TV 및 영화 발췌본을 거의 독점적으로 사용했다.

2000년대 첫 10년 동안 비디오 아트 분야에서 가장 중요한 발전 중 하나는 국제적인 수준에서 현대 미술 전시회에 강력하게 참여한 것이다. 이 기간 동안, 단체 전시회에서 모니터나 프로젝션을 통해 예술가들의 비디오를 선보이는 것이 일반적이었다. 아트 바젤의 대규모 작품 전시 부문인 아트 언리미티드에서 2000년부터 2015년 사이에 전시된 작품의 3분의 1 이상이 비디오 설치 작품이었으며, 대부분의 비엔날레에서도 유사했다. 피필로티 리스트, 프란시스 알리스, 김수자, 아피찻퐁 위라세타쿤, 오메르 패스트, 데이비드 클레어보, 사라 모리스, 매튜 바니와 같은 새로운 세대의 예술가들이 이전 세대 (로만 시그너, 브루스 나우만, 빌 비올라, 조안 조나스, 존 발데사리)와 함께 소개되었다.

일부 예술가들은 영화를 제작하거나 (아피찻퐁 위라세타쿤은 2010 칸 영화제에서 황금종려상을 수상), 대규모 공공 행사를 기획하여 관객을 확대하기도 했다. (피필로티 리스트의 [https://ex-expo.ch/en/expo02/ 스위스 국립 엑스포02])

2003년, 칼럽 린지는 비디오와 퍼포먼스 하위 장르를 창조한 것으로 평가받는 풍자적인 텔레 드라마 《Conversations Wit De Churen II: All My Churen》을 제작했다.[18] 린지의 작품은 장르를 초월하지만, 이 작품은 매체에 큰 기여를 했다. 젊은 실험 비디오 아티스트인 라이언 트레카틴은 색상, 편집 기술, 기괴한 연기를 사용하여 뉴요커가 "문화적 분수령"이라고 부르는 것을 묘사한다.[19][20]

3. 기술

비디오의 기능은 피사체를 전기 신호로 변환하여 영상을 기록하는 것으로, 광학 기술로 기록하는 필름과는 다르다. 시각 예술로서의 비디오는 전자적으로 색이나 형태를 조작할 수 있고 촬영한 것을 실시간으로 보여줄 수 있다는 특징이 있다.[32]

비디오 아트의 역사에서 중요한 하드웨어는 1964년 소니에서 발매된 세계 최초의 가정용 오픈 릴식 1/2인치 VTR "CV-2000"과, 1966년에 발매된 휴대용 비디오 카메라 "DVC-2400"이다. 이 두 세트는 포타팩이라는 애칭으로 불렸다.

백남준과 아베 슈야는 1970년부터 1972년에 걸쳐 파익-아베 비디오 신시사이저를 개발했다. 이 신시사이저는 아날로그 신호 발진기나 흑백 카메라의 그림 등을 흑백 영상 신호로 변환하여 RGB 신호로 가져와 가공하여 비디오 신호로 인코딩하는 기능을 가지고 있었다. 이 기능으로 추상적인 이미지나 강렬한 색채에 의한 표현이 가능해졌다.[32]

4. 퍼포먼스 아트와 비디오 아트

비디오 아트는 퍼포먼스 아트와 같은 다른 형태의 예술적 표현과 결합될 수 있다. 이러한 결합은 예술가들이 "비디오와 영화의 틀을 깨고 예술의 경계를 넓힐" 때 "미디어 및 퍼포먼스 아트"라고도 불릴 수 있다.[21] 예술가들이 비디오 카메라를 더 쉽게 구할 수 있게 되면서 퍼포먼스 아트는 기록되어 많은 관객에게 공유되기 시작했다.[22] 마리나 아브라모비치와 울라이와 같은 예술가들은 1970년대와 1980년대에 자신들의 퍼포먼스를 비디오로 촬영하는 실험을 했다. "Rest energy"(1980)라는 작품에서 울라이와 마리나는 활과 화살로 마리나의 심장을 겨누도록 무게를 지탱했다. 울라이가 화살을, 마리나가 활을 잡았다. 이 작품은 4분 10초 동안 진행되었으며, 마리나는 이를 "완전하고 절대적인 신뢰에 대한 퍼포먼스"라고 묘사했다.[23]

비디오 아트와 퍼포먼스 아트를 결합한 다른 예술가들은 카메라를 관객으로 활용했다. 케이트 길모어는 카메라의 위치를 실험했다. 그녀의 비디오 [https://vimeo.com/99040802 "Anything"(2006)]에서 그녀는 자신을 내려다보는 카메라에 끊임없이 도달하려는 퍼포먼스를 촬영했다. 13분짜리 비디오가 진행되는 동안 그녀는 끊임없이 가구를 묶으면서 카메라에 도달하려 한다. 길모어는 자신의 예술에 때로는 자발적인[24] 고투의 요소를 추가했는데, 그녀의 비디오 "My love is an anchor"(2004)[25]에서는 카메라 앞에서 탈출을 시도하기 전에 발을 시멘트 속에서 말리게 했다.[26] 길모어는 마리나 아브라모비치와 같은 예술가에게서 영감을 받아 1960년대와 1970년대의 표현 방식을 모방하여 자신의 작품에 극단주의와 고투를 더했다고 말했다.[27]

일부 예술가들은 비디오 아트와 퍼포먼스 아트를 결합할 때 공간을 실험했다. 아이슬란드 예술가 라그나르 캬르탄손은 자신을 포함한 9명의 다른 예술가들이 다른 방에서 촬영되는 뮤직 비디오 전체를 촬영했다. 모든 예술가들은 헤드폰을 통해 서로의 소리를 들을 수 있어서 함께 노래를 연주할 수 있었다. 이 작품의 제목은 "The visitors"(2012)였다.[28]

자키 어바인과 빅토리아 푸와 같은 일부 예술가들은 16mm 필름, 8mm 필름 및 비디오를 결합하여 움직이는 이미지, 악보 및 내레이터 간의 잠재적인 불연속성을 활용하여 선형적 서사의 의미를 약화시키는 실험을 해왔다.[29]

5. 주요 비디오 아트 단체 및 기관

아르스 일렉트로니카 센터(Ars Electronica Center, AEC)는 오스트리아 린츠에 있으며, 에디트-루스 하우스(Edith-Russ-Haus)는 독일 올덴부르크에 있는 미디어 아트 기관이다. 일렉트로닉 아츠 인터믹스(Electronic Arts Intermix)와 익스페리멘탈 텔레비전 센터(Experimental Television Center)는 미국 뉴욕에 위치해 있다. 괴츠 컬렉션(Goetz Collection)은 독일 뮌헨에 있으며, 이마이 – 인터 미디어 아트 인스티튜트(Imai – inter media art institute)와 율리아 슈토셰크(Julia Stoschek) 컬렉션은 독일 뒤셀도르프에 있다. 본 미술관(Kunstmuseum Bonn)은 대규모 비디오 아트 컬렉션을 보유하고 있다.

LA 프리웨이브스(LA Freewaves)는 로스앤젤레스와 온라인에서 전시회를 개최하는 실험적인 미디어 아트 페스티벌이다. 루멘 이클립스(Lumen Eclipse)는 미국 매사추세츠주 하버드 스퀘어에 있고, LUX]와 런던 비디오 아트(London Video Arts)는 영국 런던에 있다. 노이어 베를리너 쿤스트페라인(Neuer Berliner Kunstverein)은 1971년에 설립된 "비디오 포럼"을 운영하고 있으며 독일 베를린에 있다. 레인댄스 재단(Raindance Foundation)은 미국 뉴욕에 있다.

수브니르스 프롬 어스(Souvenirs from Earth)는 유럽 케이블 네트워크의 아트 TV 방송국으로 파리와 쾰른에 있다. 브이테이프(Vtape)는 캐나다 토론토에 있으며, 비디오아트 앳 미드나잇(Videoart at Midnight)은 예술가들의 영화 프로젝트로 독일 베를린에서 진행된다. 비디오 데이터 뱅크(Video Data Bank)는 미국 일리노이주 시카고에 있으며, 비보 미디어 아트 센터(VIVO Media Arts Centre)는 캐나다 밴쿠버에 있다. ZKM 예술 & 미디어 센터(ZKM Center for Art and Media Karlsruhe)는 독일에 있고, 비디오브라질(Videobrasil)은 브라질 상파울루에 위치한 아소시아상 문화 비디오브라질이다.

임팩트 페스티벌(Impakt Festival)은 네덜란드 위트레흐트에서 열린다.

6. 한국의 비디오 아트

한국 비디오 아트의 선구자는 백남준으로, 그는 비디오 아트라는 새로운 예술 장르를 개척한 인물로 평가받는다. 1960년대부터 플럭서스 운동에 참여하며 텔레비전을 예술 매체로 활용하기 시작했고, 이후 다양한 비디오 설치 작업과 퍼포먼스를 통해 국제적인 명성을 얻었다.

백남준 이후 한국에서는 다양한 비디오 아티스트들이 등장하여 활동했다. 일본의 초기 비디오 아티스트 그룹인 비디오 히로바(1972년-1975년)에서 활동한 작가들로는 야마구치 카츠히로, 코바야시 하쿠도, 카와나카 노부히로, 나카야 후지코, 하기와라 사쿠미, 마츠모토 토시오등이 있다.

그 외에도 이이무라 타카히코, 야마모토 케이고, 미야이 리쿠로, 안도 코헤이/Kohei Ando영어, 이데미츠 마코/Mako Idemitsu영어, 와다 모리히로, 미야이 리쿠로, 하라다 다이 사부로, 토사 나오코, 모리 마리코, 이시바시 요시마사, 이와이 토시오, 카와무라 신지, 야마시로 치카코, 카토 츠바사, 소라네 히사오등이 있다.

참조

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